Notas del programa: El Arte de la Mujer Compositora
Obertura The Wreckers
Ethel Mary Smyth nació en Londres el 22 de Abril de 1858 y falleció en Woking, Inglaterra, el 8 de Mayo de 1944. En 1922, fue la primera compositora en recibir el título de Dame Commander de la Orden del Imperio Británico. Smyth escribió su ópera The Wreckers entre 1902 y 1904, con un libreto originalmente en francés (Les Naufrageurs), de su frecuente colaborador Henry Brewster. La ópera se produjo por primera vez en Leipzig dos años después, estrenándose en alemán como Das Standrecht el 11 de Noviembre de 1906; fue producida en Covent Garden en inglés en 1909.
Smyth vivió su vida de manera exuberante. Inglesa de nacimiento, disfrutó de un estilo de vida cosmopolita que la llevó a Alemania, Francia, Italia y Egipto. Vestida con su característico traje de tweed y acompañada frecuentemente de uno de sus queridos perros pastor inglés, se convirtió en un personaje emblemático de los círculos sociales y artísticos europeos, conocida por sus hábitos excéntricos (fumadora de puros, amante de la escalada y del ciclismo) y por su estilo conversacional locuaz. No obstante, en otros aspectos, Smyth abrazó la convencionalidad. Nacida en una familia británica acomodada, asistió al conservatorio en Leipzig, donde coincidió con compositores como Tchaikovsky, Dvořák y Brahms. Fue, en efecto, una especie de “insider-outsider”: un espíritu libre y rebelde que también interpretaba su música en el salón de la reina Victoria, y que en 1922 fue nombrada Dama por el Imperio Británico.
The Wreckers es una historia sombría de amor, violencia y traición entre los desesperados y desposeídos. Smyth disfrutaba del valor provocador y la inversión moral de la trama de Brewster, y la elogiaba por ser “carente de moralidad convencional”. Una comunidad de aldeanos de Cornwall, unidos por un fervor religioso y por la pobreza, se dedican a naufragar barcos que pasan, justificando su práctica en razones religiosas.
La obertura de The Wreckers evoca las fuerzas gemelas —el poderoso mar y la poderosa iglesia— que gobiernan las vidas de los aldeanos. Su gesto inicial, de tres notas ascendentes seguidas de un torrente de ritmos puntillados, llega con la fuerza de una ola chocando contra una costa rocosa. Pronto prevalece una atmósfera más calmada. El corno inglés introduce una versión melancólica de una canción folclórica de Cornwall; esta se pasa a las cuerdas, donde florece en una serena y exuberante tonalidad mayor. Pero el respiro es breve, y el tema de los “wreckers” regresa. Una atmósfera de agitación creciente culmina en un glorioso tema similar a un himno, caracterizado por la unidad rítmica y melódica. La orquesta se convierte en un coro, con frases pausadas elegantemente. La obertura se expande en grandeza, alcanzando una conclusión celebratoria. Si bien gran parte de la obertura sigue una estructura similar a la de una ópera italiana, presentando los “grandes éxitos” melódicos de la ópera uno tras otro, su final extático evoca el entrenamiento germánico de Smyth en su audacia y espectacularidad. — Lucy Caplan
Concerto for You
La compositora indio-estadounidense Reena Esmail trabaja entre los mundos de la música clásica india y occidental, reuniendo comunidades a través de la creación de espacios musicales equitativos. Esmail divide su atención entre la obra orquestal, de cámara y coral. Es la Artista Residente Swan Family del Los Angeles Master Chorale de 2020 a 2025, y fue Compositora Residente de la Sinfónica de Seattle en 2020-21. Esmail tiene títulos en composición de la Juilliard School y la Yale School of Music.
(nota de la compositora) ¿Qué pasaría si existiera un concierto donde el papel del solista fuera apoyar a la orquesta tanto como la orquesta apoya al solista?
Esta es la pregunta que llevó a la creación de Concerto for You. En un concierto típico, el solista actúa con un virtuosismo deslumbrante para el público, mientras toda una orquesta queda en el fondo, mirándole la espalda. Quería intentar algo diferente en esta obra.
Para que este experimento funcionara, quise encontrar músicos que no hubieran experimentado el entorno de un concierto tradicional, que no hubieran hecho los acuerdos tácitos de los músicos profesionales; por eso recurrí a estudiantes, específicamente a aquellos para quienes la música era una pasión, un medio de conexión más que de competencia.
Esta obra fue creada junto al violinista Vijay Gupta. Lo he visto inspirar a tantos jóvenes músicos, no solo con su interpretación, sino también con su amabilidad y compañerismo, con su curiosidad y apertura, y con su disposición a escuchar profundamente. Nuestra visión conjunta para este concierto fue crear un medio musical para un fin humano y relacional.
A medida que esta obra pase a manos de otros violinistas profesionales que trabajen con conjuntos de estudiantes, quise que cada músico en la orquesta partiera de la idea de que la música en su atril no era un acompañamiento para un solista estelar, sino que era verdaderamente para ellos. Así, en la parte superior de cada partitura se escribió: “Concerto for You”. — Reena Esmail
Sinfonía No. 1 en Mi Menor de Price
En 1935, la escritora y compositora afroamericana Shirley Graham pudo alardear de los logros de los primeros sinfonistas afroamericanos de Estados Unidos: William Grant Still, Florence B. Price y William Dawson. “¡De espirituales a sinfonías en menos de cincuenta años! ¿Cómo pudieron siquiera intentarlo?”, preguntaba en un artículo en el que relataba el desarrollo de la música afroamericana que llevó al reconocimiento de la Negro Folk Symphony de Dawson, estrenada por la Sinfónica de Filadelfia bajo la dirección de Leopold Stokowski en 1934. La Afro-American Symphony de William Grant Still fue estrenada por la Filarmónica de Rochester en 1931 y la Sinfonía en mi menor de Florence Price fue estrenada por la Sinfónica de Chicago en 1933.
¿Cuál fue el impulso detrás de la creación de las primeras sinfonías por compositores afroamericanos? La inspiración espiritual provino de la música de Samuel Coleridge-Taylor, un compositor y violinista angloafricano que visitó Estados Unidos tres veces entre 1904 y 1910 y que había ganado fama como director y compositor en Inglaterra. Profundamente interesado en la música folclórica afroamericana, Coleridge-Taylor escribió varias composiciones basadas, de manera libre o directa, en este material. Otra influencia más sutil en los compositores afroamericanos provino de las obras “americanas” del compositor bohemio Antonín Dvořák, quien llegó a Estados Unidos en 1892 para dirigir el Conservatorio Nacional de Música en Nueva York. Durante su permanencia de tres años, el compositor abogó públicamente por el uso de música folclórica afroamericana e indígena en la composición para crear un estilo estadounidense nacional. Y la afirmación de los valores de la herencia cultural negra tuvo un impacto decisivo en Still, Price y Dawson, quienes tenían como objetivo principal la incorporación de los elementos folclóricos negros, como los espirituales, el blues y la música de baile característica, en las formas sinfónicas.
Florence Beatrice Smith Price nació en Little Rock, Arkansas, el 9 de abril de 1887. Tras recibir su formación musical inicial de su madre, asistió al Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra, donde se graduó en 1906 tras tres años de estudio, con un diploma de Solista en órgano y un diploma de Profesora en piano.
Después de completar su título, Price regresó al sur para enseñar música en universidades de Arkansas y Atlanta. En 1927, casada y con dos hijos, se mudó con su familia a Chicago para escapar de la creciente tensión racial en el sur, que a fines de la década de 1920 se había vuelto intolerable. En Chicago, Price se estableció como pianista de concierto, organista, profesora y compositora.
La Sinfonía en Mi Menor de Price fue escrita en 1931. La Sinfonía ganó el Premio Rodman Wanamaker en 1932, una competencia nacional que llevó su música a la atención de Frederick Stock, quien dirigió la Sinfónica de Chicago en el estreno mundial de la obra el 15 de junio de 1933 en el Auditorium Theater. La Sinfonía recibió elogios de la crítica y marcó la primera sinfonía de una compositora afroamericana interpretada por una gran orquesta estadounidense.
Price basó el primer movimiento de su Sinfonía en dos melodías de composición libre, reminiscentes del espiritual afroamericano. La influencia de Dvořák en el segundo tema es evidente. El segundo movimiento se basa en una melodía y textura de himno, sin duda inspirada por el interés de Price en la música de iglesia. El jovial tercer movimiento, titulado “Juba Dance”, se basa en ritmos de danza característicos afroamericanos anteriores a la guerra civil. Para Price, el elemento rítmico en la música afroamericana era de suma importancia. Refiriéndose a su Tercera Sinfonía (1940), que utiliza el Juba como base para un movimiento, escribió: “me parece tan imposible concebir música negra desprovista del tema espiritualista como de los ritmos fuertemente sincopados del Juba”. La Sinfonía cierra con un movimiento presto como tour de force, basado en una figura de escala ascendente y descendente.
Price murió en 1953, después de recibir muchos elogios a lo largo de su carrera. Escribió más de 300 composiciones, incluyendo 20 obras orquestales y más de 100 canciones artísticas. — Rae Linda Brown